A odisseia de Pi

O cinema de 2012 nos submeteu a duros castigos. Tivemos entre esses castigos mercenários e vingadores, por exemplo. Eis, então, que dezembro para redimir os meses anteriores entrega de bandeja um agradável presente nas telas: “As Aventuras de PI”, dirigido por Ang Lee.

            Assisti ao filme depois de ver algumas resenhas bem favoráveis à produção e, para a minha constatação, as resenhas não blefaram.

            O filme é uma adaptação do livro “A Vida de Pi”, do escritor Yann Martel. É bom ressaltar a polêmica autoral que envolve a obra. O livro foi atacado por muitos como plágio do romance “Max e os felinos”, do escritor brasileiro Moacyr Scliar. No entanto, isso é outra história. Fiquemos com o filme como elemento de análise.

            Resumidamente, a história é a seguinte. Uma família de indianos depois de alguns fatos – não vêm ao caso – decide mudar-se para o Canadá e leva junto com ela os animais que tinham em um zoológico. A mudança é feita em um navio cargueiro que, lá pelas tantas, naufraga e no bote salva-vidas fica apenas (da família) Pi, o protagonista, a salvo. A família toda dele (mãe, pai e irmão) morre. Para surpresa do garoto Pi, alguns animais também estão no bote, e chegam mais dois pelas águas. Destaca-se aqui o tigre-de-bengala, o coadjuvante que, em certos momentos, torna-se o protagonista. Aqui novamente tem-se a eterna abordagem da relação entre homem e animais. As diferenças são latentes entre os dois reinos, mas humano e selvagem vão se conhecendo e criando intimidades necessárias para sobreviver.

            No início, impossível não sofrer uma catarse com as imagens poéticas de uma Índia exótica. São minutos de uma plástica exuberante, digna de uma descrição romântica.

            O alto teor religioso da obra, uma tentativa de conciliação entre politeísmo hindu e as religiões monoteístas, é enfatizado no protagonista, que vê nessa carnavalização uma união de crenças distintas para a busca do superior, do divino. Alegoria utópica para um mundo onde as guerras santas são uma constante.

            Das intertextualidades proporcionadas pelas leituras do filme, também está ali um Jó indiano. Crê piamente em deuses, perde tudo, família, bens, sofre as mais duras provas físicas e, no entanto, a fé se mantém acesa quando poderia facilmente ser apagada.

            Do ponto de vista mitológico e também simbólico, mais uma vez caímos em Homero. Ang Lee faz de Pi um moderno Odisseu.

            Assim como o herói da “Odisseia”, Pi passa por inúmeras provas no oceano para voltar para um porto seguro. E não se trata mais da casa nativa, como na epopeia de Odisseu, mas de uma nova morada. Enfrenta “monstros gigantes” (baleia), peixes voadores, tempestades e, poeticamente, uma ilha carnívora. Aqui se mostra a evidência mais próxima do herói grego Odisseu. Pi, após uma boa análise sobre a ilha e seus quase mistérios, deduz que ficar ali era automaticamente tornar-se o novo cardápio do local. Alimenta-se dela, porém seria alimento do lugar se ali permanecesse. O jovem faz uso da sua inteligência e, dessa forma, sua vida continua.

            O tigre-de-bengala é mais uma alegoria interessante. Dentro da relação intertextual com a “Odisseia”, de Homero, tem-se aqui o símbolo da desconfiança, do inesperado. Isso porque na obra grega o protagonista convive durante sua epopeia com uma tripulação de amigos que ora ou outra age de forma inesperada contra Odisseu. Tudo isso por conta da desconfiança da natureza do outro. Só para destacar uma dessas desconfianças, é só relembrar os presentes que Odisseu ganha e, por questões de imposição do doador, ele não pode revelar à sua tripulação. Os seus amigos de viagem, então, passam a desconfiar de que o astuto Odisseu ganhou valiosos tesouros e não quer reparti-los. Nos dois casos, filme e “Odisseia”, a conquista da confiança é extremamente necessária para a sobrevivência.

            Ainda bem que há diretores como Ang Lee que olham o cinema não apenas como um produto comercial, mas como ferramenta de arte também. A bela história de Pi nas mãos de Lee contribuiu para salvar, em parte, o cinema de 2012.

            Vitor Miranda

Meus cinco filmes

Dias atrás, numa conversa entre amigos, tendo filmes como temática, uma amiga perguntou-me quais eram meus cinco preferidos. Falei desse, daquele, de um outro filme, mas estava crente que havia alguma injustiça na minha relação. Não cheguei a falar de cinco, talvez uns três. Às vezes a memória se recusa a dar respostas. Pois bem, em casa, com menos cerveja e pressão, a memória resolveu ajudar e consegui selecionar meu top five.

            Claro que se fosse a lista dos dez mais seria mais fácil e, certamente, mais justo. Quanto menor a lista mais forte fica a sensação de que um ou outro poderia ter configurado entre os preferidos. Dessa forma, a muito custo, lá vão meus favoritos.

            Destaco primeiramente uma produção francesa de grande sucesso de público e crítica: O Fabuloso Destino de Amélie Poulain. Um filme que mistura a linguagem literária com a cinematográfica, faz da fotografia um mosaico e aos poucos vai ilustrando a frustração e a solidão. No filme, Audrey Tautou faz um papel quase que impecável na pele da protagonista Amélie Poulain. A moça usando sua argúcia e imaginação transforma, geralmente, para melhor a vida de quem a cerca. O tom humorístico pincelado ao dramático também fortalece a trama.

            Forrest Gump, o Contador de Histórias, é mais um dos selecionados. Um filme que me fascinou logo nos primeiros minutos. Forrest Gump, vivido por Tom Hanks, é um sujeito norte-americano que, praticamente, mesmo com um Q.I abaixo da média, vive todos grandes sonhos americanos: herói de guerra, esportista de destaque e empresário bem sucedido. O filme ainda traz uma das melhores trilhas sonoras já produzidas no cinema. Vários clássicos da terra do Tio Sam aparecem aqui. Vale conferir e curtir Bob Dylan, The Birds, B. J, Thomas, Elvis Presley, The Doors...

            Saindo de uma produção dos Estados Unidos e pulando o oceano, desembarco agora na Alemanha com o maravilhoso, dramático e engraçado Adeus, Lênin. Aqui narra-se a história de uma Alemanha prestes a perder o Muro de Berlin, muro que dividia o país em dois (acho que não é necessário dar uma aula de História sobre esse muro, certo?). Uma mãe adepta aos valores de sua Alemanha socialista sofre um colapso e, quando acorda, não pode mais sofrer grandes emoções, caso contrário pode ser fatal. Desse modo, como esconder dessa mulher que sua amada Alemanha socialista não mais existe? A partir daí começam as cenas hilárias do filme. O casal de filhos, principalmente o filho, faz de tudo, dramaticamente, para desenhar à mãe uma Alemanha Oriental que deixou de existir.

            Ainda na Europa, o belo, comovente e inteligente italiano A Vida é Bela, uma produção dirigida e estrelada por Roberto Benigni. O filme conta a história de um pai judeu que tenta mostrar (e consegue) ao filho que o nazismo nada mais é do que um jogo. Pai, mãe e filho estão num campo de concentração nazista. A fantasia é a ferramenta utilizada pelo pai. Benigni nessa produção não explora a pieguice infantil para fazer uma grande obra, mas sim a inteligência de um roteiro que se materializa no talento interpretativo. Esse, sim, mereceu o Oscar. Quem pensa que o filme apoia-se na pieguice comete um equívoco.  

            E para fechar essa seleção, volto aos EUA. Claro que não poderia faltar o magnífico Woody Allen. Embora eu goste muito de Meia Noite em Paris, há um mais antigo de Woody Allen que merece mais aplausos: Noivo Neurótico, Noiva Nervosa. É um filme cujo roteiro não é o que mais me chama a atenção. Nele é narrada a crise de relacionamento de um casal, daí o título bem sugestivo. Por se tratar de Woody Allen, é preciso mais observação para outros aspectos. A respeito de tais aspectos, é fácil entender por que ele disse certa vez que adora Machado de Assis. Destaco a construção das linguagens exploradas no filme. Há diálogo com o espectador, ironia, digressões, pessimismo, linguagem sutil, ácida... enfim, Woody faz cinema com ares literários machadianos.

            Não é fácil fazer uma seleção como essa, talvez ela até mude com o passar do tempo, porém creio que os cinco filmes aqui apontados merecem algumas palmas. Trata-se de uma lista globalizada: França, Estados Unidos, Alemanha e Itália. O cinema quando possui uma boa ideia pode estar em qualquer parte do planeta.

            O mundo sem a produção cinematográfica não seria impossível, mas a vida não seria tão bela, não é Roberto Benigni?

            Vitor Miranda

Lenine e o chão

Sábado, dia 27 de outubro, tivemos a honra de receber no Teatro Pedro II, em Ribeirão Preto, o talento e as inovações de Lenine, um cantor para os, minimamente informados, que dispensa apresentações.

Não é de hoje que Lenine recheia nossos ouvidos com boa música arquitetadas pelo seu amplo talento. Olhando lá atrás encontramos verdadeiras obras como A Rede, A Ponte, O homem dos olhos de raio X, Paciência, É o que me interessa.

Em É o que me interessa, podemos notar a mestria linguística de Lenine por meio dos seguintes versos: A sombra do futuro / A sobra do passado/ Assombram a paisagem. Em três palavras (sombra, sobra, Assombram), num trocadilho bem desenhado, a música se concretiza na mais alta competência verbal. Talento! Puro talento vindo de Pernambuco.

 Agora, em 2012, esse pernambucano nos cede a maravilha do cd Chão.

Unindo linguagens, o show de Lenine concebe, no útero do palco, a estética com um chão (não se trata de trocadilho com o novo álbum) forrado pelo vermelho de uma primavera que ao fundo traz sons de insetos. Juntam-se ao visual escuro, sem ser barroco, melodias e letras, que raramente abandonam a poesia. Não é à toa que encontramos a voz de Carlos Drummond de Andrade e referências a João Cabral de Melo Neto durante as músicas.

Lenine canta, dança e declama como se estivesse se aperfeiçoando para um produto final que, tomara nunca tenha conclusão, afinal, enquanto ele faz essa busca, sempre nos presenteia com belas e particulares canções.

Essa busca, de certa forma, está ilustrada em uma de suas novas músicas. É do Chão que surge a metamúsica De onde vem a canção?, um dos destaques do cd. Nessa música, o cantor se indaga e se indaga sobre a mágica do surgimento da canção. Não há resposta, apenas o privilégio do não-saber e do procurar.

Na apresentação de sábado, Lenine brilhantemente engatilhou após essa música a declamação de À procura da poesia, na voz do próprio Drummond. Observa-se que o músico faz trabalho de escultor com suas preciosidades musicais. Não estamos diante de um compositor/cantor que procura inspiração, apenas, para suas composições. Lenine é meticuloso com cada sílaba, tem preocupação estética e semântica com o que faz.

Para quem acha que a MPB é rica apenas devido ao passado, engana-se. Quem se prende aos grandes lá de trás sem querer abrir os olhos para o presente, é porque se recusa a pôr os pés no chão, que, muito próximo, encontra-se e convida a todos para uma gostosa caminhada cheia de acordes bem executados e ornados por letras extremamente poéticas.

Vitor Miranda

Cartas

Estava assistindo, novamente, ao belíssimo filme francês O Fabuloso Destino de Amélie Poulain e, numa das cenas, apareceu o pai da protagonista no portão e ao seu encontro, numa tarde de ventos agressivos, veio um carteiro. Pronto! Instalou-se a nostalgia em mim. Motivo? A carta.

            Sim, leitor, uma carta. Talvez as gerações mais novas não saibam, mas houve um tempo em que a internet e seu conteúdo como as mensagens virtuais, principalmente as veiculadas pelas chamadas redes sociais, não existiam. A comunicação não-pessoal restringia-se a meios como o telefone e cartas, por exemplo.

            Hoje dado o imediatismo e o avanço tecnológico, usam-se mensagens via internet e sms quase o dia todo. Perdeu-se o artesanato da comunicação não-pessoal tão romantizado nas cartas. Não mais temos o prazer de ler uma mensagem com a marca pessoal de quem a fabricou. Muito menos de abrir o portão e receber a doce visita do carteiro, que hoje se restringe, principalmente, a nos entregar boletos de contas a pagar ou alguma compra via-internet.

            A carta tinha o problema da demora, da angústia que atormentava o destinatário que sabia de alguma correspondência por vir e que não chegava. Mas em certos casos, como um bom porto, a demora acabava dando mais sabor no recebimento. Prazer impensável e desbotado para “nossas novas gerações” (obrigado pelo verso, Chico!). Abrir o envelope, desdobrar o papel com suas irregularidades à esquerda provocadas pelo arame do caderno, ler a data e o vocativo e beber cada letra desenhada por mãos muitas vezes de nossa intimidade, eram ações de extrema sensibilidade humana.

            Temos para hoje o privilégio da rapidez, que como pagamento nos exigiu o fim do artesanato papel e caneta. Ficamos mais rápidos, mais comunicativos, porém menos humanos e criativos.

            Acho que estou ficando velho ou mais adulto, apenas. Já alcancei Cristo com seus 33 invernos, no entanto, ainda guardo um pouco do que passou. Ainda sinto vontade de escrever e receber cartas. Se possível, recebê-las no portão como o pai de Amélie, com o vento feroz varrendo as folhas secas das árvores.

            Vitor Miranda

Nos bailes do Milton

Na mitologia grega, Orfeu destacava-se por ser um músico de extrema habilidade. Com sua lira herdada de Apolo, conseguia até acalmar as feras mais selvagens. A beleza e harmonia de sua música hipnotizavam mortais e imortais, tamanha a qualidade do que executava. Pois bem, e esse Orfeu, não mitológico, mas humano e mineiro, desfilou seu talento musical em Ribeirão Preto há dois dias. Ele atende há anos por Milton Nascimento.

            Milton Nascimento é um patrimônio cultural brasileiro. Qualquer tentativa de qualificar a sua espetacular voz particular é em vão. Aliada a essa suave voz, estão centenas de belíssimas canções compostas por ele ou em parcerias. Ouvi-lo, ao vivo, é um privilégio e uma grata experiência ao bom gosto musical e aos ouvidos.

            O show em Ribeirão começou com lapsos dignos de um Casemiro de Abreu. Iniciou-se o espetáculo com Bola de meia, bola de gude. Um passeio com palavras e melodia para resgatar na memória a infância e expor que ela adormece em nós (há um passado no meu presente). Aliás, já dizia nosso Machado de Assis que o menino é pai do homem. Milton confirmou.

            Milton Nascimento é um dos raros artistas que atravessam décadas e décadas com o mesmo talento que o consagrou há muito tempo. Chovendo no molhado: “Não é difícil chegar ao topo, mas sim manter-se lá”. E o Milton se mantém, ou melhor, o topo recusa-se a deixá-lo sair.

            De todas as músicas dele, a que mais me emociona e mais gosto é Travessia (diga-se de passagem, trata-se da música de que mais gosto entre todos artistas). Melodia e letra dariam inveja a Orfeu. Travessia apresenta as dificuldades (problemas, frustrações?) da vida e expõe que tais podem ser superadas quando se recusa a fugacidade. O abandono, o saudosismo, a fuga, a solidão, o amor, o abrigo inóspito apresentam-se no caminho de pedra e o sujeito olha para frente e nota que as estradas são múltiplas. Sempre é possível mudar.

            Quem esteve presente no show certamente saiu com mais poesia na vida. E quem suportaria a vida sem poesia?

            Vitor Miranda

Um perfume que não perde o aroma

Há 20 anos o diretor Martin Brest lançava um dos melhores filmes da carreira do talentoso Al Pacino: Perfume de Mulher.

            No filme, narra-se a história de um homem que acidentalmente fica cego, o tenente-coronel aposentado Frank Slade (Al Pacino). Ele vai a Nova Iorque acompanhado pelo estudante Charlie Simms (Chris O'Donnell) para passar um final de semana. Frank é extremamente amargo com as pessoas e com sua própria vida. Charlie aceita o trabalho temporário porque é bolsista na faculdade onde estuda e está precisando de dinheiro.

            Al Pacino chega a beirar a perfeição nessa atuação. Não é à toa que ganhou o Oscar de melhor ator em 1993 por esta performance. O discurso militar, observado logo no primeiro encontro entre Frank e Charlie, e a representação do que é, de fato, um cego enchem os olhos do apreciador da sétima arte. Pacino esbanja talento em mais de duas horas.

            A crítica áspera de Frank vai a tudo e a todos, inclusive à família. Diz ele a respeito de sua irmã, cunhado e sobrinhos: “Ele é mecânico e ela dona de casa. Ele entende tanto de carros quanto uma miss e ela faz biscoito com gosto de pneu. Quanto às crianças, são umas pestes.” Ora, têm-se aqui um Boca do Inferno? Parcialmente, sim, no entanto, ao longo do filme Frank vai se interessando pelos problemas de Charlie e percebendo que, problemas, todos os têm. Dessa forma, o amargo de Frank vai ganhando gotas de adoçante.

            A intenção do coronel inicialmente é a de se matar depois desse final de semana, pois já não suporta a vida limitada à escuridão. Mas os obstáculos da vida de Charlie e o próprio estudante com sua personalidade, que sai do barro disforme para ganhar formas concretas, afrontam o coronel. Indiretamente o estudante apresenta-se como uma epifania a Frank.

            O notável e inesquecível do filme não é a amargura de Frank, nem seu desejo voraz pelas mulheres, mas sim a cena da desconstrução da fera pela bela. A fera, neste caso, é a aspereza do tenente-coronel, e a bela é a arte do tango, especialmente porque se trata de um dos maiores clássicos de Carlos Gardel, Por Una Cabeza. Na cena, Frank dança com uma belíssima mulher, Donna. A cada passo efetuado pela dupla obtém-se a catarse proposta pelo fatalismo sugerido pelo tango de Gardel.

            O tango dançado por Frank e Donna está, sem sombra de dúvidas, entre as mais belas cenas já produzidas pelo cinema mundial.

            Embora o filme centralize suas potencialidades em Frank, a fotografia não deixa de ser muito bem trabalhada. Ainda no primeiro encontro do tenente com Charlie, o estudante encontra o ex-oficial sentado ao fundo de uma sala com pouca luminosidade. E é justamente na origem da pouca luminosidade do local que temos uma simbologia interessante. Um facho de luz passa pela janela numa clara alusão a uma luz divina, típica das igrejas góticas, para iluminar Frank sentado, todo poderoso e autoritário com o jovem estudante. Nada de sagrado há aqui, porém a ideia de poder não passa despercebida.

            Certamente Perfume de Mulher é um daqueles perfumes que se recusam a perder o aroma em nossa memória cinéfila. Assistir a ele é uma experiência marcante, revê-lo é a confirmação disso.

Vitor Miranda

Caravaggio no MASP

Conflito, tenebrismo, imposição religiosa, atmosfera negra... enfim, elementos que, ao pé da letra, soam como um afastamento ao prazer. Mas em se tratando de Caravaggio, de arte, a ideia muda.

            Tive o prazer enorme de visitar a exposição “Caravaggio e seus seguidores”, no MASP, e me deparar com beleza estética, narrativa, conflituosa e hipnotizante do “pai” do Barroco. Ao todo são seis obras do maior nome do Barroco.

            Para quem, minimamente, tem em si a sensibilidade, impossível não se impactar com a beleza barroca nas telas de Caravaggio. Os quadros nos levam ao final do século XVI e início do XVII registrando em tenebrismo a qualidade inquestionável desse pintor italiano, além de deixar “claro” (sem eliminar o obscurantismo estético, diga-se de passagem) os conflitos do autor e do homem daquela época. Pode-se dizer que nos pincéis de Caravaggio estava boa parte do sentimento dramático despejado pela Igreja na sociedade daquele momento. Isso se fez em suas telas pelos personagens bíblicos ou não.

             Na exposição do MASP, sem dúvida, as obras que mais despertam admiração do público são a “Medusa” e “São Jerônimo Penitente”. Duas maravilhas que, de imediato, já tematizam um conflito: o sagrado e o profano.

            Caravaggio pinta uma Medusa, em um escudo, já decepada por Perseu. Na imagem, a face da mulher mitológica ganha traços humanos muito bem definidos e, ao mesmo tempo, na tentativa de registrar a dramaticidade da ação, serpentes e sangue jorrado lutam pela atenção do espectador. O escudo onde o autor fez a arte é uma extensão ao mito grego. Na mitologia, Perseu usa um escudo para visualizar Medusa e derrotá-la, pois se olhasse diretamente nos olhos dela, tornar-se-ia pedra. E talvez seja realmente essa sugestão que a obra ambicione. Não temos o escudo de Perseu, e, portanto, temos que olhar a Medusa caravaggesca diretamente. Dessa forma, ficamos petrificados diante tamanha beleza engendrada pelo gênio humano, seja pela história criada pelos gregos ou pelas tintas de Caravaggio.

            “São Jerônimo Penitente” também é um universo de beleza e qualidade estética. Na tela, o crânio iluminado sobre a mesa e a cabeça também iluminada de São Jerônimo (a princípio uma busca por semelhanças) se opõem e, nessa antítese, temos diante dos olhos o básico do mundo: vida e morte. Tal efemeridade se marca e se acentua pelo fundo escuro, sem nada. Não há presença do mundo, não há o que se ver além do homem e seu futuro.

            A fila para ver as seis obras de Caravaggio estava longa. Demorei uma hora e meia para entrar no museu, entretanto, não reclamei, afinal, as obras me esperaram por mais de 400 anos. Aguardar uma hora e meia foi pouco. Reclamar seria uma heresia com condenação inapelável.

            A exposição vai até o dia 30 de setembro. Perdê-la é um pecado, vê-la é uma purificação.

            Vitor Miranda

"Nem foi tempo perdido..."

O Romantismo notabilizou-se, entre outros, pelo culto ao passado. Para o romântico, o passado é o tempo a ser exaltado, é nele em que os fatos, bons ou ruins, estão alojados. Pois bem, e na noite de 7 setembro último, o meu passado juvenil caminhou ao bar D. Pedro, na rua 7 de Setembro, em Ribeirão Preto, para me trazer um dos integrantes da Legião Urbana, banda esta que configurou completamente a minha vida. Lá estava o eterno baterista legionário Marcelo Bonfá.

            Bonfá distribuiu carisma e nostalgia a todos. Cantou, tocou, bebeu (mas não se jogou na Lagoa como o personagem do Manuel Bandeira).

            De repente, estava ali um músico que alimentou, junto com seus companheiros de Brasília, uma geração e outras vindouras com músicas sentimentais e políticas. Pensei: por que não temos mais bandas e músicos atualmente com essa mística e talento? Sim, mística! A Legião sempre foi uma banda mística, daquelas que você ama e não quer dar explicação por que ama, afinal, amor não tem e nunca terá explicação.

            Sinto-me um privilegiado por ter na minha juventude e formação o talento sonoro da Legião. Ver o Bonfá tocando a menos de 3 metros de mim era algo imaginável. Senti-me uma criança recebendo o presente tão sonhado e pedido. Confesso que, ao ouvir o Marcelo tocando e cantando “Tempo Perdido”, emocionei-me de forma abrupta. Foi minha maior emoção musical até hoje. As lágrimas vieram.

             Nosso cenário musical atual, infelizmente, furta descaradamente a oportunidade de se ter músicas do calibre da Legião Urbana. O que se tem é um padrão minusculamente estabelecido. Não se dá chance para que a qualidade seja o carro-chefe. Democratizou-se a música, mas amputaram o talento (pelo menos na grande mídia). Assim, é facilmente explicável por que ainda aplaudimos de pé Bonfá e outros tantos que vieram das gerações de 60, 70 e 80.

            Por muito tempo estaremos celebrando Chico Buarque, Raul Seixas e Legião Urbana. Comparado a hoje, o passado, indiscutivelmente, distribuía talentos às pencas. O público era mais exigente e, talvez, mais carente em questões políticas.

            Queria que a noite desse 7 de setembro fosse mais longa, porém a ampulheta não para, sua areia escoa sem regras. Ela não se importa se o momento é bom ou ruim. Por outro lado, é bom que o tempo passe. Dessa forma, cria-se o passado e nasce em nosso coração o Romantismo com seus brilhos nostálgicos.

            Diante de todo o Romantismo até aqui exposto e vivido, pego emprestados alguns versos do romântico Casimiro de Abreu e os torno pessoais, meus:

            Oh! Que saudades que tenho

            Da aurora da minha vida,

            Da minha ADOLESCÊNCIA querida

            Que os anos não trazem mais!

Vitor Miranda 

Modernismo Caipira 2012

Quando um movimento artístico surge com uma proposta artístico-cultural, digamos, bem diferente daquela até então em vigência, o resultado aos olhos do público, inicialmente, é um espanto, um choque. Foi assim com a turma dos Modernistas em 1922 em São Paulo, quando eles se organizaram para uma semana de arte cujas apresentações artísticas eram totalmente opostas e provocadoras ao padrão artístico da época.

            Algo parecido ocorreu nos dias 28 e 29 de julho em Serrana com o festival anual “Caipiro Rock”. Não foi o primeiro ano do festival, foi a 16ª edição. E o que o tornou “primo” do Modernismo Brasileiro foi a ideia de que a arte e a cultura sempre podem mais e nunca cruzam os braços diante do estabelecido.

            Mas por que justamente a 16ª edição se compara com a turma modernista de quase um século atrás? Bem, o festival antes restrito a uma tribo e espaço, resolveu ganhar novos ares e universalizar-se dentro da pequena cidade ampliando seu alcance e temáticas abordadas. Antes limitado a um clube, a uma rua ou mesmo à sede, o CECAC (Centro de Cultura e Ativismo Caipira), o Caipiro Rock foi à principal praça da cidade, no centro. Com isso diversificou-se o público e mostrou a muitos que em Serrana não há apenas chapéu, fivela, botas e “Ai se eu te pego”.

            Festivais como esse são necessários cada vez mais. Vivemos uma cultura de massas que muitas vezes impossibilita a pessoa a, pelo menos, pensar que pode haver algo diferente daquilo que lhe é imposto. É preciso sair da manipulação de setores midiáticos interessados em apenas lucrar, que impedem o senso crítico e atrofiam o nível cultural do cidadão.

            A necessidade de eventos como o Caipiro Rock se torna ainda mais urgente quando se trata de cidades pequenas do interior como o caso de Serrana. Como as opções de lazer e cultura são muito restritas, o pouco que há, geralmente, traz um comodismo intelectual e social. O Caipiro Rock não veio para impor um estilo musical ou ditar normas para se usar essa ou aquela roupa. Ele veio justamente para dizer que não devemos nunca nos contentar e aceitar certos padrões exigidos por terceiros.

            Ainda relacionando os “caipiras” (o termo aqui não é pejorativo) com os modernistas, viu-se no festival a multiplicidade cultural. Embora tenha nascido há 16 anos como evento musical, a carnavalização tomou conta dos dois dias de apresentações. Música (inclusive com folia de reis), encenações, malabarismo, atividades sociais diversas, enfim, opções a uma comunidade que quase sempre esteve fadada ao mínimo cultural.

            Outro aspecto interessante foi o público. Diferentes gerações presentes e de diferentes esferas sociais. Pais que acompanharam o início do festival há mais de dez anos hoje com os filhos, ou seja, exemplo vindo de casa. Reuniram-se o garoto de moicano, a menina tatuada, o de roupa social, o público da bota e fivela e fez-se o “carnaval”. Todos gostaram do que viram? Não se sabe, mas quem deu as caras na praça percebeu que em Serrana há, sim, opções culturais e sociais.

            Fico no aguardo da próxima edição, torcendo para que em 2013 haja o mesmo propósito.

            Vitor Miranda